Fort perturbante, quelque peu effrayante, voire maléfique : tels sont les qualificatifs pouvant venir à l’esprit au premier regard jeté sur cette magnifique sculpture. Cependant, quelques instants de réflexion suffisent pour qu’une vérité évidente émerge de l’œuvre. Par son jeu de couleurs et de textures, de même que la symbiose délicate d’une multitude d’éléments, cette sculpture nous révèle l’harmonieuse dualité de la vie. On ne saurait imaginer plus grande douceur pour les sens et l’esprit.

Prenant ses racines à l’alchimie et à la mythologie antique, cette sculpture nous ouvre ainsi aux manifestations de la dualité : celle entre masculin et féminin, vie et mort ainsi qu’être humain et animal. La vie abonde en dualité. Cette dernière foisonne en nous et dans la nature. Néanmoins, malgré les manifestations infinies de la dualité, il y en a une qui le plus souvent nous échappe, volontairement ou pas : l’inévitable dualité entre les morts et les vivants.

Symbole de l’esprit, les ailes prennent ici la forme de celles d’un papillon, tout en étant parées d’un plumage d’aigle. S’il s’agit d’ailes de papillon, c’est pour illustrer le changement et la croissance au cœur du principe de transmutation. Il s’agit d’évoquer nos passages de la lumière aux ténèbres et inversement, ainsi que notre désir perpétuel de nous libérer de l’ignorance et de l’aveuglement pour atteindre vérité et sagesse.

La sculpture présente deux côtés : le côté féminin symbolise la vie et le côté masculin, la mort. On remarquera néanmoins qu’ils ne sont pas hermétiques : en fait, leurs éléments s’entremêlent. Du côté vie se trouve une tête de bélier transparente, animal symbolisant force et persévérance, fixée à un torse féminin. En observant les deux parties de plus près, on voit qu’à travers la résine se trouve leur structure squelettique, qui signale la présence de la mort au sein même de la vie. La position des bras rend deux significations distinctes : le bras porté vers le haut symbolise l’enseignement et la vie spirituelle ; l’autre, porté vers l’extérieur, symbolise, par la main ouverte, l’accueil et l’amitié. La partie inférieure du corps, elle, prend la forme de celle d’un crocodile, créature préhistorique ayant traversé les siècles et d’innombrables changements climatiques. Cette partie de la sculpture est empreinte de dualité dans la mesure où le crocodile est aussi bien adapté aux milieux aquatiques que terrestres, et donc, par allégorie, aussi bien à la lumière qu’aux ténèbres. On remarquera en outre un autre contraste, celui entre le corps adapté à la terre comme à la mer et les ailes déployées vers les airs. Ce contraste existe également en nous : il symbolise ce rapport entre les facettes de notre imagination éveillées par l’élan créateur, et celles qui le sont, entre autres, par l’élan destructeur du matérialisme et de la guerre.

Du côté représentant la mort se trouve un crâne de loup fixé au squelette d’un torse masculin placé de dos pour en apprécier les vertèbres et le dos des côtes. Prenant la pose du Penseur de Rodin, coude droit posé sur le genou et bas de menton appuyé sur la main droite, le squelette semble en profonde réflexion. De sa main gauche levée vers le ciel, il tient un couteau sacrificiel, dont la partie supérieure arrondie symbolise le soleil et la lune et la partie inférieure, la terre. Ici, plutôt que de concevoir l’aspect sacrificiel comme la mise à mort d’êtres humains pour les offrir aux dieux, il faut le concevoir comme ce dont nous devons nous départir pour cheminer vers la lumière et la sagesse. Par ailleurs, on remarque que la partie dorsale du crocodile a l’allure et la texture d’un serpent, et que sa queue s’enroule autour de l’amoncellement de crânes sculptés faisant partie intégrante de la base.